Устное народное творчество и декоративно-прикладное искусство

Слово «кружево»  происходит от «окружать», украшать нарядной отделкой края одежды и других предметов  из тканей. Кружевоплетение было известно на Руси издавна. Им занимались женщины  всех сословий. Платье царей, князей и  бояр украшало кружево из золотых, серебряных и шелковых нитей; в народной одежде использовалось кружево из льняной пряжи, а с конца XIX века - из хлопчатобумажных нитей.

 

 

 

Хохломские узоры

 

Знакомый  трехлапый мохнатый листик, трогательная звездочка цветка, изогнутая веточка и, конечно, она - маленькая капелька лесной сладости - земляничка.

Хохломские  художники любят рисовать на поверхностях своих изделий земляничку, малинку, ежевичку, крыжовничек, черную и красную смородинку, рябинку. Называют они ягоды ласково, и никогда даже один и тот же мастер не напишет их одинаково: чуть-чуть изменит очертания листа, по-другому изогнет веточки, разбросает цветы и ягоды - и вот тот же самый мотив заговорит с нами по-новому.

В этом разнообразии орнаментных мотивов проявляются  и богаство творческого воображения художника, и его мастерство, и его наблюдательность.

Хохломские  изображения декоративны - они в  самом общем виде передают красоту  живой жизни. Это орнаменты - украшения  предметов. И поэтому впечатление  постоянной текучести и переменчивости жизни художники создают изменением своего орнаментального мотива.

Узор из цветов, трав и ягод называется растительным орнаментом. Но видов этого орнамента  в хохломской росписи несколько. Самый любимый и стародавний  из них - "травный орнамент", или  просто "травка". Это удлиненные, слегка изогнутые былинки, написанные по три, по пять и больше - кустиком. "Травка" отдаленно напоминает жительницу заливных лугов, прибрежий озер и рек осоку. Один из видов этого орнамента так и называется "осочка". Но все-таки напоминает он эту живую травку очень отдаленно, или, как говорят художники, форма настоящей травки в этом орнаменте обобщена - художником сохранены только самые общие и главные её признаки.

Травка обычно пишется красным и черным цветом. Её основные широкие и длинные  листья сочны, потому что на кисточку берется много краски, и она ложится плотно на поверхность предмета. Кончики листьев написаны тонко, они кудрявятся, словно гнуться от ветра. Тонкие и частые штрихи - травинки по сторонам основного кустика и бусины - ягодки на длинных стебельках делают эту роспись особенно живой и изящной.

"Травка" - самостоятельный тип росписи,  но она - обязательная часть  любого растительного орнамента  "хохломы". Очень часто среди  кустиков и веточек черной, красной , зеленой или желтой травки художник помещает ягодки, цветы, птиц и рыбок. Такой орнамент тоже называется "травным", или именем ягодки или цветка.

Словно огненное колесо, катится по дну чаш красивейший  орнамент "пряник".

Хохломские  росписи украшают предметы - чаши, ковши, вазы, округлые тулова которые ка бы сами подсказывают художнику, куда изогнуть веточку, где рассыпать ягоды. Мы говорим: роспись подчинена форме предмета.

Пожеланием  добра, благополучия и счастья с  давних пор на Руси считались изображения  цветущих кустов и плодов. Эту прекрасную традицию сохранают сегодня хохломские художники, украшая обычные предметы нарядной росписью. И с ними в наш дом приходят красота и радость, которые щедро дарят нам мастера промысла.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ковка

 

Древними  традициями, высоким мастерством  и веками отработанной технологией  отличается искусство кованого железа. Его развитию и повсеместному распространению на Севере способствовало широкое бытование кузнечного дела, которому в свою очередь благоприятствовали запасы болотных руд и дешевого леса. Изделия кузнецов глубоко проникали в народный быт: без ножа, топора, косы, серпа и других предметов домашнего и хозяйственного обихода не могла обойтись ни одна крестьянская семья. Почти в каждой деревне стояла кузница, где крестьянин-кузнец выполнял разнообразные заказы местных жителей. Подковывая лошадей, наводя косы, топоры и ножи, вырезая замки и ключи, кузнец нередко совмещал профессию металлурга, доменщика-литейщика и слесаря. О кузнецах слагали легенды, ибо ремесло это, связанное с огнем, превращением твердого металла в раскаленный податливый брусок, приравнивалось в народе к волшебству, к общению с нечистой силой. Недобрые отношения с ней грозили пожарами всей деревне, отчего ставили кузницы вдали, на окраине.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Изобразительное искусство: направления  живописи, школы, течения.

Творчество Оренбургских художников.

 

В Древней  Руси живопись возникла и развивалась  в тесной связи с иконопочитанием, в основе которого лежит учение о Боговоплощении (в христианской традиции первой иконой был чудесно явленный убрус - прижизненное изображение лика Христа). Через икону православие утверждает себя как зримо-явственную истину. Иначе говоря, икона есть богословие, выраженное не словесно, а образно, "умозрение в красках" (Е.Трубецкой). Отсюда вытекает присущий только ей своеобразный художественный стиль. Чисто эстетическое переживание не играет самостоятельной роли. Цель иконописания - отразить (и вызвать) молитвенную собранность, умиротворенность в общении с Богом, что объясняет развитие в иконах особых художественных средств - обратной перспективы, наличия в пространстве иконы нескольких точек зрения, иерархической соподчиненности изображаемых объектов и т.д. 

Вместе с  христианством русские мастера  усвоили византийский художественный стиль и выработанную веками технику. В дальнейшем в русских княжествах складываются местные иконописные школы, со своими особенностями письма - новгородская, псковская, ярославская, тверская и т.д.

Наивысшего  расцвета русская средневековая  живопись достигла в XIV-XV вв. в деятельности Феофана Грека и Андрея Рублева и Дионисия.

 

Слово о Феофане Греке (около 1340 – после 1405 гг.).    

В ряду немногих известных русских иконописцев  стоит имя пришельца, грека (гречина) Феофана. Как и зачем он пришел на Русь из далекой Византии, нам неизвестно. Известно только то, что приехал на Русь он уже известным мастером, приглашен был в Великий Новгород, много лет здесь жил и трудился, потом работал в Нижнем Новгороде, Переславле-Залесском, Коломне. В Москву Феофан Грек перебрался в 90-х годах XIV века. Расписал более 40 церквей. В 1378 году Феофан Грек был приглашен жителями Новгорода для росписи только что построенного храма Спаса Преображения на Ильине улице.Предлагаю вам рассмотреть фреску этого храма «Христос Пантократор», взирающую из-под купола новгородского храма.

 

Итак, что вы можете сказать  об особенности письма Феофана Грека: Тёмные красно-коричневые тона, контрастный белый, линии резкие, стремительные, порывистые – пробела или движки; образы даны в движении; строгие, взирающие с высоты на мир.Образы Феофана словно возникают в отблесках пожара или подобно молнии. Они тревожат, порождают трепет перед грозным и великим Троическим Божеством, карающем за неисполение заповедей, за грехи, призывают к покаянию и исправлению жизни. В образе Троицы белые мазки придавали изображению динамику, движение, Спасу – неподвижность, суровость. В той и другой росписях они – светотени и в то же время – сияние таинственного света, который пронизывал образы и преображал плоть человеческую.

 

 

Слово о прп. Андрее Рублёве (около 1360 – 1427).

 

О жизни Рублёва  ничего не известно. В летописях  его называют чернецом за темное монашеское одеяние. Имя, которое он получил при крещении, неизвестно, имя Андрей ему дали при монашеском постриге. Впервые Андрей Рублёв упоминается в летописи 1405 года, когда он участвовал в росписи Благовещенского собора Московского Кремля. Мастера-иконописцы работали всегда большой артелью, при этом младшие учились у старших. Руководил работой Феофан Грек. На его росписи приходили посмотреть со всей Москвы. Но Рублёв не подражал страстной кисти византийца. Русский иконописец видел мир ясно, спокойно и кротко. Прозрачные,  «дымом писаные» краски его икон – голубую, белую, зеленую, багряную, золотистую – стали называть рублёвскими.

Троицкая  летопись: «1408 год. Того же лета, мая 25 начаша подписывати церковь каменую  великую соборную Святая Богородица, иже во Владимире, повеленьем князя  великого, а мастеры Данило иконник  да Андрей Рублёв.»

В XX веке экспедицией  Игоря Грабаря был найден звенигородский чин, названный так по месту его  обретения. Он состоял из трех икон деисусного чина иконостаса

Вершиной  русского иконописания является "Троица" (1422-1427) А.Рублева, которую мастер создавал как символ духовного согласия и единения русских людей.

На иконе  отображен не библейский сюжет. Пред нами Совет Предвечным, на котором  решается судьба мира – быть ему  или нет. Ведь человек согрешит, и  чтобы спасти его нужна будет Жертва Сына Божьего. И вот Сын, по Своей любви, даёт согласие на Крест и смерть за людей.

 

          

           Икона Андрея Рублева «Троица»

 

 

Дионисий (около 1440 – 1505).

Сведений  о жизни Дионисия очень мало. Известно, что он происходил из знатного рода и был мирянином. Вместе с Дионисием над выполнением работ трудились и его сыновья – Владимир и Феодосий.

Поговорим о  последней работе иконописца – росписи  собора Рождества Богородицы в Ферапонтовом монастыре. Мастер с сыновьями расписал его за 1 месяц. Здесь, в тихой северной обители, он закончил всю свою жизнь.

Для икон и  фресок московских живописцев XV – XVI вв. характерны мягкость письма и гармония красок. Их художественные приемы получили развитие в иконах и фресках Дионисия, привлекающих изяществом пропорций, праздничностью колорита, уравновешенностью композиций.

Для Дионисия важно было показать всеобщее единство, где все живут по законам небесного равенства. Иконы Андрея Рублёва полны трепетного ожидания чуда, а у Дионисия чудо уже свершилось.

Дионисий  стал последним художником Божественного  Света и зачинателем новой  эстетической традиции. Но скоро, уже  через 100 лет, найденное им гармоничное  равновесие сурового аскетизма и  земных благ будет нарушено в пользу второго. Красота, по Дионисию, – гармония того и другого

Работы  Диониссия

 

 

 

 

Россия всегда была богата художественными талантами, оставившими своим потомкам дивные творения, ставшие шедеврами не только отечественной, но и мировой живописи. Последним великим иконописцем  допетровской Руси стал Симон Ушаков, часто именуемый российским Рафаэлем.

 

В XVII столетии привычный ритм и уклад русской  жизни стал меняться. Так при царе Алексее Михайловиче в России создаются новые школы, типографии, возникает театр, в изобразительном  искусстве появляются первые образцы  парсунной (портретной) и "ленчавтной" (ландшафтной, то есть пейзажной) живописи, начинается выпуск печатных гравюр. Человеком, прочно соединившим древнерусскую художественную традицию с новым реалистичным искусством, стал Симон Ушаков. Творчество С. Ушакова знаменует переход от религиозного к светскому искусству. Парсуны появились в переходный период русской истории, во время преобразования средневекового мировоззрения и складывания новых художественных идеалов. Первые русские парсуны создаются, скорее всего, мастерами Оружейной палаты Московского Кремля в XVII веке. По стилю, приёмам и материалам живописи парсуны первоначально ничем не отличаются от икон, выполняются на иконных досках с ковчегом. Иногда пишется такой составляющий элемент иконы, как нимб вокруг головы персонажа. Во второй половине XVII века парсуна часто пишется на холсте в технике масляной живописи, хотя манера исполнения продолжает содержать иконописные традиции. Временем окончательного превращения парсунной живописи в западноевропейский живописный портрет считаются 1760-е годы, однако, в провинции техника парсуны существовала и в более поздний период. Русской парсуне близки произведения украинской, белорусской, польской, литовской портретной живописи XIV—XVII веков, часто также относимые к парсунным. В парсуне портретное сходство передаётся весьма условно, часто используются атрибуты и подпись, позволяющие идентифицировать изображённого. Персонажами являются, прежде всего, цари, князья, военачальники, церковные иерархи. В настоящее время некоторые художники снова обращаются к парсунной живописи, представляющей реальное лицо иконописными приёмами.

                                  

                                        Автор Симон Ушаков

 

 

 

Особое  место в русской живописи XVIII в. занял портрет. Наиболее ранние произведения этого жанра близки к парсуне XVII в. Персонажи торжественны и статичны.

Иван Никитич Никитин (1680 — около 1742) был одним из первых русских  портретистов. Уже в его ранних портретах — старшей сестры Петра I Натальи Алексеевны (1715—1716 гг.) и  его дочери Анны Петровны (до 1716 г.) —  с редким для того времени мастерством  переданы объём и естественная поза модели. Однако в этих работах очевидна некоторая упрощённость: фигуры выхвачены  из темноты неопределённого пространства лучом яркого света и существуют вне связи со средой; художник ещё неумело изображает строение фигуры и фактуру материалов — бархата, меха, драгоценностей.

Вернувшись в Петербург после  четырёхлетней поездки по Италии, Никитин создал лучшие свои произведения, в которых проявилось возросшее мастерство художника. Это портрет канцлера Г. И. Головкина и портрет, известный под названием «Напольный гетман» (оба — 20-е гг.).

 

              

 

К 40—50-м гг. XVIII в. относится творчество Ивана Яковлевича Вишнякова (1699—1761). Самый изысканный портрет Вишнякова изображает Сарру Элеонору Фермор, дочь начальника Канцелярии от строений (1749 г.). Юная девушка в роскошном серебристо-сером атласном платье, вышитом цветами, готовится сделать реверанс. В руке она грациозно держит веер. Кисти рук на полотнах Вишнякова почти всегда написаны с особым изяществом: пальцы лишь слегка касаются предметов, будто скользят по их поверхности. В «Портрете Сарры Фермор» обращают на себя внимание и тонкая живопись кружев, и декоративный пейзажный фон, мотивы которого перекликаются с вышивкой на платье.

 

Особенности русского зодчества и  архитектуры. Архитектурные стили  Оренбурга.

Издавна на Руси было развито деревянное зодчество. Необыкновенные  деревянные здания строили искусные мастера. Крестьянские избы, княжеские хоромы, боярские терема строились из дерева. Для Русского деревянного зодчества, имевшего свои традиции, характерны были многоярусные постройки с теремами, башенками. Всё это украшала затейливая резьба по дереву.

    После  принятия христианства в конце  X века на Руси начинается каменное  строительство. Приезжие из Византии  каменных дел мастера начинают строить первые храмы. В Киеве князь Владимир закладывает Десятинную церковь, посвящённую Успению Богородицы. Первые русские храмы строятся в строгом соответствии с византийскими культурными традициями. Но русские мастера быстро перенимают опыт строительства. В Киеве Софийский собор, построенный при Ярославе мудром, уже сочетает славянские и византийские традиции. Однокупольный византийский храм окружают размещённые чуть ниже четыре средних купола, за которыми стояли еще восемь куполов. Вся постройка раскрывала многокупольную пирамиду, традиционную для русского зодчества. Постройки украшались в стиле русского искусства. Стены украшались яркими фресками с хорошо подобранными тонами. За счёт того, что писались фрески по сырой штукатурке, краски глубоко впитывались, и такое произведение хранилось очень долго, при этом краски не тускнели. Мозаика, иконы, богатое убранство храмов на Руси несли в себе сосредоточение нескольких видов искусства.