Возрождение

Возрождение

Возрождение (Ренессанс) - (франц. Renaissance), период в культурном и идейном развитии стран Западной и Центральной Европы (в Италии 14 - 16 вв., в других странах конец 15 - 16 вв..), переходный от средневековой культуры к культуре нового времени.

 Возрождение  возникло и ярче всего проявилось  в Италии.  Итальянское Возрождение делят на четыре этапа: Проторенессанс - вторая половина XIII - XIV века; Раннее Возрождение - XV век; Высокое Возрождение - конец XV - первая треть XVI в.; Позднее Возрождение - конец XVI века.

Отличительная черта культуры Возрождения - гуманистическое мировоззрение, обращение к культурному наследию античности, как бы "возрождение" его (отсюда название). 

1.Гуманистическое мировоззрение.  

Основа - учение о высоком назначении человека, о его достоинстве.

Человек, наделенный разумом и бессмертной душой, обладающий добродетелью и безграничными творческими возможностями, свободный в своих поступках и помыслах, поставлен в центр мироздания самой природой. Это учение основывалось на воззрениях античной философии.

Идеалы гуманизма - гармоничная, творческая личности, красота и гармония действительности.

2. Флоренция: Собор Санта-Мария-дель-Фьор.

В архитектурном плане примечателен купол, созданный по проекту Филиппо Брунеллески. Купол имеет арочный каркас и состоящий из восьми угловых дуг с наклоном в 60 градусов и соединяющих их горизонтальных перемычек; облицован кирпично-красными изразцами. Вся эта громоздкая конструкция купола диаметром около 43 метров завершалась крошечной беломраморной ротондой фонаря со шпилем и медным шаром.

Фасад выполнен с применением одного и того же типа мрамора, но разных цветов: белого - из карьеров Каррары, зеленого - из Прато и розового - из Мареммы.

Над порталами в тимпанах представлены сюжеты из жизни Девы Марии. Фронтон центрального портала представляет Мадонну во славе. Соединительным звеном между боковыми и центральным окнами-розетками является фриз со статуями Апостолов и Девы Марии. Вверху над серией бюстов художников возвышается тимпан с барельефом, изображающим Отца Небесного.

Интерьер собора выполнен в соответствии с архитектурными канонами итальянской готики.

3. Мастер проторенессанса Джотто ди Бондоне.

Мир Джотто схож с реальностью и облает пространственной протяжностью и материальностью. Известные во времена мастера приёмы  (угловые ракурсы, античные перспективы, внесение в сценическое пространство подлинной иллюзии глубины и четкости структуры) были максимально идеализированы. Джотто — разработчик приемов тональной светотеневой моделировки форм с помощью поэтапного обесцвечивания основного колоритного тона. Именно это позволило наполнить формами и добиться нужной объемности, не пренебрегая  сияющей чистотой цвета с его функциями декора.

Джотто скупился на обозначения предметов мира. Настоящим открытием мастера выступают его колоритные персонажи. Они широколицы, величавы, одеты в плащи и одежду, выполненных из громоздких тканей с драпировкой в виде крупных складок.

Джотто считается реформатором живописи. Он наметил путь, по которому пошло ее развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности.

4. Живопись Раннего Возрождения

Перелом событий в искусстве наблюдается в начале XV века. «Художественная реформа»  отсекла возможность обращения, как к старым формам, так и к средневековому спиритуализму. С этого временного этапа искусство Италии становится реалистично направленным и обретает оптимистический светский характер, что является определяющей чертой Возрождения. Чтобы перестать обращаться к традициям готики раннего Возрождения начинается поиск идей в античности и в искусстве Проторенессанса. В XV веке происходит сближение искусства и науки. Художники стремятся познать и изучить окружающий мир, что приводит к расширению их кругозора и уходу от узкой направленности цехового ремесла. Данный период ознаменовывается систематическим изучением строения человеческого тела и появлением теории пропорций.

Преодолевая готическую отвлеченность образов, развивая лучшие черты живописи Джотто, художники XV века вступают на широкий путь реализма. Невиданный расцвет переживает монументальная фресковая живопись.

Главные черты живописи Раннего  возрождения :

• увлечение проблемами перспективы,
• библейские образы приобретают черты современников
• возрождение сюжетов античной мифологии
• стремление к пластически ясному построению человеческой фигуры
• особая одухотворенность и интимно-лирическая созерцательность

 
 

Одним из выдающихся художников того времени был Андреа Мантенья, который был страстным почитателем и большим знатоком античности.

«Парнас» — одна из лучших его работ. Центральными персонажами композиции являются бог войны Арес и богиня любви Афродита стоящие на вершине Парнаса. Намеком на их любовную связь служит стоящее рядом роскошное ложе. Обманутый муж — Гефест  выскочил из своей кузницы, расположенной в пещере и в выразительном жесте вытягивает в сторону любовников руку. Ниже сидит Аполлон, увлеченно играющий на лире. Под божественные звуки его музыки перед горой в хороводе кружатся девять муз, пение которых, как известно, вызывало вулканические извержения и иные природные катаклизмы, остановить которые мог лишь крылатый конь Пегас, топнув по земле копытом. 
 
 
 
 
 
 
 
 

5. Золотой век Возрождения.

В XVI веке в Италии ренессансное искусство вступило в  фазу наивысшего расцвета.

  Главным мотивом искусства Высокого Возрождения выступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится  выше повседневной обыденности. Художники стремятся к  выделению основного сюжета и уходу от мелочей.

Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было

необычайное расширение общественного кругозора её создателей, масштабность

их представлений  о мире и космосе.

Художники Высокого Возрождения - не только люди огромной культуры, но творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов. 

Первым художником Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи - художник-ученый, живописец, пробовавший силы и в архитектуре и скульптуре, математик, естествоиспытатель, механик, изобретатель. С самого начала творческой деятельности Леонардо определились основные особенности его искусства - интерес к психологическим решениям, стремление к лаконичности и обобщению, к пространственному расположению и объемности форм. Большое внимание уделял художник разработке перспективного построения и расположения фигур в пространстве.  В одной из своих первых картин «Крещение Христа» он применил новую технику, недавно появившуюся в Италии, рисования масляными красками. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим.

Сочетая разработку новых средств художественного  языка с теоретическими обобщениями, Леонардо да Винчи создал образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам  Высокого Возрождения.

Фиксируя  результаты бесчисленных наблюдений в  набросках, эскизах и натурных студиях (итальянский карандаш, серебряный карандаш, сангина, перо и другие техники), Леонардо добивается редкой остроты  в передаче мимики лица (прибегая порой  к гротеску и карикатуре), а строение и движения человеческого тела приводит в идеальное соответствие с драматургией композиции.

«Тайная вечеря»

“Тайная вечеря” — самое зрелое и законченное произведение Леонардо. В центре он помещает фигуру Христа, выделяя ее просветом двери. Апостолов он сознательно отодвигает от Христа, чтобы еще более акцентировать его место в композиции. Наконец, в этих же целях он заставляет сходиться все перспективные линии в точке, непосредственно расположенной над головой Христа. Стол он делает небольшим, а трапезную — строгой и простой. Это дает ему возможность сосредоточить внимание зрителя на фигурах, обладающих огромной пластической силой. Во всех этих приемах сказывается глубокая целеустремленность творческого замысла, в котором все взвешено и учтено.

«Мадонна Бенуа»

«Мадонна Бенуа», была написана Леонардо да Винчи около 1478 г. во Флоренции. Художник избирает для своей мадонны простое, не блещущее красотой лицо, подчеркнуто юное, весело смеющееся; твердо лепит фигуру, четко вырисовывающуюся на фоне полумрака комнаты, и заставляет складки одежды обрисовать строение тела. Юная мать протягивает ребенку цветочек. Добиваясь впечатления жизненной реальности, Леонардо тщательно разрабатывает передачу рельефа, объемности фигур. Он отмечает множество градаций освещения: полутень, глубокую, но прозрачную тень, а там, где пелена тени сгущается более всего — на щечке, на руке ребенка,— он прерывает ее легкой полосой рефлекса, отсвета.

В этой ранней работе Леонардо да Винчи уже пользуется новой для того времени живописной техникой: картина написана с применением масляных красок, позволяющих добиваться большей прозрачности и большего разнообразия фактуры, чем темпера.

«Мадонна Литта»

«Мадонна Литта» — закончена несколькими годами позже "Мадонны Бенуа". На этот раз художник избрал более строгий тип лица мадонны, выдержал картину в другой красочной гамме, даже обратился снова к технике темперы. Но основной смысл тот же, что и раньше: та же человечность, та же любовь к подлинным, живым чувствам людей пронизывает все произведение

«Джоконда»

Портрет Джоконды является одним из самых лучших образцов портретного жанра итальянского Высокого Ренессанса.

  На картине изображена женщина в тёмной одежде, обернувшаяся вполоборота. Она сидит в кресле, сложив руки вместе, повернувшись в кресле почти лицом к зрителю. Разделенные пробором, гладко и плоско лежащие волосы, видные сквозь накинутую на них прозрачную вуаль, падают на плечи двумя негустыми, слегка волнистыми прядями. Зелёное платье в тонких сборках, с желтыми рукавами в складках, вырезано на белой невысокой груди.

Техника написания портрета доведена мастером до совершенства. Да Винчи использует здесь новый технический прием - сфумато, суть которого заключается к нечетком, размытом написании линий контура. Благодаря этому создается ощущение взаимопроникновения отдельных образов композиции, гармоничного слияния человека и природы

Одним из известнейших мастеров эпохи Высокого возрождения  по заслуге считается  великий художник, скульптор, поэт и философ, Микеланджело Буанаротти. 

В скульптурных работах Микеланджело можно найти и чувствительность к движению, и одновременно могущество вековечного мрамора. Его «Пьета» укладывает тело Иисуса на колени к Богородице – сила и прекрасный стиль художника уравновешиваются здесь скорбью Марии. 
 
     В 1504 году он выполнил скульптуру Давида в классическом стиле, дав ему тело с прекрасными пропорциями и мускулатурой. Подход Микеланджело к скульптуре контрастировал с аналогичным у Донателло, который сделал Давида более юным и менее мускулистым.  

В 1505 году Микеланджело предложили работу по проектированию и созданию скульптурных форм для гробницы Папы Юлия II. Микеланджело сделал для нее только одну скульптуру – Моисея – свое последнее крупное произведение. Художник сделал статую из бруса мрамора, но окончательный результат работы показывает не только его умение обращаться с материалом, но и силу характера Моисея.

В 1508-1512 годах Микеланджело работает над самым грандиозным из своих творений - фресками Сикстинского плафона. Роспись свода папской капеллы включает в себя 9 композиций на библейские темы, они располагаются в зеркале свода.  Цикл  включает в себя темы из книги Бытия от "Сотворения мира" до "Всемирного потопа". Боковые пояса свода украшены изображениями двенадцати огромных фигур Сивилл и Пророков. В распалубках и люнетах расположился цикл "Предки Христа", в угловых парусах фрески, изображающие спасение иудейского народа. Эта грандиозная работа вмещает в себя многие десятки персонажей, каждый из которых является воплощением духовной энергии.

Мало кто знает о том, что знаменитый художник писал стихи. Некоторые из его стихотворений были положены на музыку и уже при его жизни завоевали немалую популярность, но впервые его сонеты и мадригалы были опубликованы только в 1623 г. До наших дней сохранилось около 300 стихотворений Микеланджело.  

Рафаэль Санти – величайший художник итальянского ренессанса. Творчество Рафаэля наиболее ярко отражает идеи Высокого возрождения.

Особенность творчества Рафаэля в том, что он произвел синтез достижений своих предшественников. Им был создан свой собственный идеал человека, свое представление о гармонии и красоте.

В период с 1504 по 1508 годы Рафаэль живет и творит во Флоренции, где его творчество, конечно, подверглось влиянию Микеланджело и Леонардо да Винчи. Именно в это время его работы обретают зрелость, именно тогда он производит на свет лучшие свои работы, в том числе и знаменитую Мадонну Конестабиле.

 За год до  смерти Рафаэль заканчивает самую  известную свою картину - знаменитую Сикстинскую мадонну. Рафаэль задумал представить таинство явления Богоматери, как чудо зримое. Для этого он использует раздвинутый занавес. В подобных сценах занавес обычно поддерживают ангелы, в этой же картине занавес как будто раздвинут святым духом. То, что Богоматерь - явление неземное свидетельствует то, с какой легкостью, босая шествует она по облакам, прижимая к груди сына.

Тициан Вечеллио да Кадоре — один из величайших художников всех времен и народов, являющийся — наряду с Леонардо, Рафаэлем и Микеланджело — одним из четырех титанов итальянского Возрождения.