Художественно - исторические основы пейзажной живописи

     С XVIII века гуашевая живопись совершенствуется и становится широко распространенным видом живописи. Ею пользуются для написания подготовительных картонов, декоративных эскизов, иллюстраций и станковых произведений. В отличие от акварели, гуашь непрозрачна, так как в состав красок входят белила.

     2.5 Педагогическая деятельность мастеров пленэрной живописи.

     В истории развития пленэрной живописи во второй половине ХIХ века важную роль сыграла педагогическая деятельность преподавателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества и Академии художеств. Среди них – В.Г.Перов, А.К.Саврасов, И.М.Прянишников, В.Е.Маковский, В.Д.Поленов.

     Выдающийся  русский художник В.Г.Перов был  одним из ведущих преподавателей училища. В своей педагогической деятельности он руководствовался задачами не только обучения, но и формирования мировоззрения художника. Он призывал учеников стремиться к сюжетно-тематической направленности этюдов и зарисовок с натуры, ставил перед ними задачи правдиво и образно отражать современную жизнь, выявлять смысловую, психологическую и эмоциональную стороны сюжета.

     В картинах другого мастера пейзажа  Алексея Кондратьевича Саврасова («Зимний пейзаж», «Проселок», «Сельский  вид», «Грачи прилетели») и этюдах к ним отчетливо проявились принципы пленэрной живописи. Как преподаватель пейзажного класса училища он оказал большое влияние на творческий рост многих будущих известных художников конца ХIХ века (И.И.Левитана, К.А.Коровина).

     Основной  целью обучения живописи Саврасов считал формирование самостоятельного мышления ученика, видя в этом залог сознательного отношения молодого художника к реальной действительности и к искусству. Творчески активная профессиональная подготовка, основанная на знании изображаемой природы, ее структуры в соединении с умением передавать в живописи свое эмоциональное отношение к увиденному, – такова другая важная задача, которую ставил перед своими учениками известный живописец. При этом Саврасов считал недопустимым простое копирование окружающей действительности, чтобы на картине или этюде все было «точь-в-точь», как видит глаз. Прежде всего, следует стремиться передать «ощущение», «чувство» природы. Мало срисовать мотив, описать его глазами ботаника – важно уловить жизнь, настроение природы, которая вызывает в человеке созвучное состояние, задевает неуловимые душевные струны.

     В соответствии с этими требованиями к этюдам Саврасов стремился проводить свои занятия по живописи непосредственно в природе. Саврасов стремился воспитать у своих учеников умение видеть в природе живописную картину, ее «эмоциональный сюжет», так как этим обусловливается выбор мотива, цветовой строй этюда. Саврасов видел свою роль преподавателя в том, чтобы направить ученика на самостоятельный путь в решении мотива. Он не подсказывал ему, какую точку зрения следует выбрать, или какими красками написать этюд, а приучал начинающих к поиску и анализу на всех этапах работы, начиная от первоначального наброска до завершения композиции. При такой постановке обучения Саврасов давал всем ученикам широкое поле для творческой деятельности. Введенные Саврасовым совместные поездки педагогов и учащихся на этюды за город, всемерная поддержка своих учеников в деле познания живописи непосредственно в условиях природы были новаторскими для русской художественной школы и отвечали новому пониманию отношению художника к действительности и к искусству.

     Работа  над этюдами с натуры в условиях пленэра имела значительное место в практике преподавания художников-педагогов И.М.Прянишникова и В.Е.Маковского. Как и Саврасов, они считали работу с натуры основным видом учебной деятельности молодого художника. Прянишников видел необходимость различного подхода к светотеневому и цветовому построениям картины, когда это оправдано ее замыслом и способствует раскрытию содержания. Поэтому работу с натуры, предварительную подготовку этюдов к композиции Прянишников и Маковский считали решающим условием для успешной реализации замысла произведения.

     Яркой страницей в истории развития русской живописи на пленэре является чистяковская школа обучения изобразительному искусству. В своей педагогической деятельности Павел Петрович Чистяков наиболее полно сочетал традиции академического обучения с принципами реализма. В этом его главная заслуга и как теоретика, и как педагога. Он требовал от ученика уже в начале обучения цельно видеть цветовые отношения объектов натуры и в соответствии с полученным зрительным образом создавать цветовой строй этюда. Определение тоновых и цветовых отношений натуры при целостном ее восприятии является главным моментом в чистяковской практике. Наряду с этюдами больших размеров, Чистяков рекомендовал начинающим живописцам писать этюды-малютки размером не более 5 х 10 см. практикуя этот прием в своей академической мастерской, он справедливо считал, что в этюдах малых размеров дробность воспроизведения деталей нередко исключается самим размером работы. Поэтому ученик не копировал натуру, а неизбежно вел поиск больших цветовых отношений.

     Ученик  П.П.Чистякова В.Д.Поленов был  одним из выдающихся педагогов Московского училища, первым продолжателем в нем чистяковского метода.

     В истории русской живописи Василий  Дмитриевич Поленов известен как  художник-пейзажист, как автор картин «Московский дворик», «Больная», «Золотая осень», «Березовая аллея в парке Абрамцева», «Заросший пруд», «Бабушкин сад» и др. Красота родной природы во все времена года – главная тема его пленэрных пейзажей. Мотивы средней полосы России переданы в тончайших цветовых отношениях, с глубоким пониманием живописно-пластического языка и особенностей композиции пейзажа.

     Будучи  сам замечательным пейзажистом, Поленов сыграл большую роль в развитии обучения живописи на основе принципов пленэра. Основную цель обучения живописи в связи с освоением рисунка и композиции Поленов видел в том, чтобы подготовить художника, способного к образному раскрытию темы. В этюдной практике он не ограничивался личным опытом и опытом русской школы. Поленов знакомил учащихся с достижениями западноевропейских художников-барбизонцев и ранних импрессионистов, обращал внимание на необходимость передачи в живописи особенностей солнечного освещения натуры в световоздушной среде. Художник-педагог поддерживал стремление учеников к научно-обоснованному, пластически осмысленному отношению к натуре.

     Подлинные мастера пленэрной живописи –  Поленов, Серов, Коровин, Левитан, Архипов, Степанов учили своих воспитанников живописно-пластическому языку, построенному на основе пленэрной живописи. Благодаря развитию в Московском училище живописи течения реалистического пленэра, профессиональны уровень подготовки по живописи был настолько высоким, что многие его выпускники без последующей учебы в академии выходили на самостоятельный творческий путь художника.

     Ученик  Саврасова и Поленова Исаак Ильич  Левитан (1860–1900) утвердил в русском искусстве пейзаж, который называют «пейзажем настроения». В лирическом ключе решены его этюды, построенные на колористических созвучиях цвета и тона. В волжских пейзажах, своеобразных живописных поэмах, написанных широко, свободно, с отличным чувством простора, читаются художественно-философские обобщения, эпическое восприятие природы. Они настолько сильно проникнуты личным чувством, что интимно-лирический лад звучит в них наравне с эпическим. Характерна в этом отношении последняя большая работа Левитана – «Озеро»; художник дал ей второе название – «Русь», обозначая таким образом эпическую программу произведения. В этом пейзаже художник стремился показать собирательный образ русской природы в характерном ее состоянии. В преподавании пейзажной живописи Левитан исходил из того, что главным условием успешного обучения является работа с натуры. Левитан считал этюд основой овладения живописью, видел в нем одно из средств на пути к картине.

     Со  второй половины ХIХ века живопись на пленэре становится одним из главных  средств изучения окружающей действительности для большинства прогрессивных художников России (Айвазовский, Шишкин, Крамской, Куинджи, Саврасов, Поленов и др.). Живопись на пленэре была необходимой ступенью в совершенствовании мастерства русской художественной школы. Последователи Венецианова и Иванова, Саврасова и Куинджи, Сурикова и Репина, художники чистяковской школы обращали особое внимание на продуманность и эмоциональность пейзажного этюда и картины, утверждали в них свое понимание реальной действительности. В работе с натуры они открывали большие возможности для профессионального развития эмоциональной памяти и эстетических чувств, постоянного интереса к природе, родной земле. 

 

     Глава 3.

     Блок  занятий.

     Урок  №1.

Тема  урока: пейзаж

Цели  урока: изображение пейзажа

Задача  урока:

• развивать у детей творческую фантазию, любовь к природе;
• формировать умение самостоятельно выполнять композицию, выделять главное в рисунке, передавать смысловую связь предметов в пространстве;
• совершенствовать умения и навыки работы акварельными и гуашевыми красками, применять смешанную технику для выполнения в цвете.

Оборудование  урока:

• карандаши, резинка, акварель или гуашь, кисти, цветные карандаши, цветные восковые мелки, цветная тонированная или белая бумага, баночка для воды, палитра, тряпочка и подставка для кистей;
• картины И.И. Левитан «Березовая роща», «Золотая осень», А.К. Саврасов «Проселок», «Зимний пейзаж» .

План  урока.

• Проверка организации рабочих мест.
• Художественно-содержательный анализ картин И.И. Левитан, А.К. Саврасов.
• Выбор сюжетов на тему пейзаж.
• Самостоятельная работа детей – рисование карандашом.
• Проведение итогов урока – анализ карандашных рисунков.

Ход урока.

      1. Организационный  момент

      2. Сообщение темы  урока.

      После проверки готовности класса к уроку  учащимся

      Учитель говорит, что на уроке они будут  рисовать пейзаж. Но сначала им необходимо вспомнить свои наблюдения за природой, деревьями в школьном саду во время прогулки.

      3. Изложение учебного  материала.

      Вступительная беседа. Учитель показывает картины художников, задаёт вопросы, ученики отвечают.

      4. Практическая деятельность учащихся.

      Учащиеся  выполняют задание, пользуясь удобным  для них материалом.

      7. Подведение итогов.

      Проводится  выставка работ и их анализ. Чему научились на уроке?

     Урок  №2.

Тема  урока: культурные сооружения.

Цели  урока: изображение архитектуры.

Задача  урока:

• развитие композиционного мышления, художественного вкуса;
• Развитие творческого воображения;
• Развитие интереса к предмету;
• Воспитание собранности, аккуратности ;
• формировать умение самостоятельно выполнять композицию, выделять главное в рисунке, передавать смысловую связь предметов в пространстве;
• совершенствовать умения и навыки работы акварельными и гуашевыми красками, применять смешанную технику для выполнения в цвете.

Оборудование  урока:

• карандаши, резинка, акварель или гуашь, кисти, цветные карандаши, цветная тонированная или белая бумага, баночка для воды, палитра, тряпочка и подставка для кистей;
• картины Ф.Я. Алексеев «Покровский собор», «Соборная площадь», А.М. Васнецов «Симонов монастырь».

План  урока.

• Проверка организации рабочих мест.
• Художественно-содержательный анализ картин Ф.Я. Алексеев, А.М. Васнецов.
• Выбор сюжетов на тему культурные сооружения.
• Самостоятельная работа детей.
• Проведение итогов урока – анализ рисунков.

Ход урока.

      1. Организационный  момент

      2. Сообщение темы  урока.

      После проверки готовности класса к уроку  учащимся

      Учитель говорит, что на уроке они будут  рисовать культурные сооружения. Но сначала им необходимо вспомнить свои наблюдения .

      3. Изложение учебного  материала.

      Вступительная беседа. Учитель показывает картины художников.

      4. Практическая деятельность  учащихся.

      Учащиеся  выполняют задание, пользуясь удобным  для них материалом.

      7. Подведение итогов.

      Проводится  выставка работ и их анализ. Чему научились на уроке?